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postimpresionismo

gaumango.jpg

PAUL GAUGUIN

 

JOVENES CON FLORES DE MANGO. Paul Gauguin

 

1.-Documentación general

 

1.1. Título: Jóvenes con flores de mango

1.2. Autor: Paul Gauguin (1848-1903)

1.3. Cronología: 1899

1.4. Estilo: postimpresionismo.

1.5. Técnica: óleo.

1.6. Base: tela de 94 cm por 72 cm.

1.7. Localización actual: Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

1.8. Tema: una joven tahitiana lleva una bandeja de flores de mango, mientras que otra sostiene con sus manos flores.

 

2.- Análisis formal

 

2.1. Composición: las jóvenes ocupan casi todo el espacio.  Están yuxtapuestas pero no son rígidas, sino que están muy naturales indiferentes al espectador. En el centro está la bandeja. El fondo es indefinido lo que contribuye a resaltar las figuras y a concederles un aire intemporal. Aquí su carácter simbólico: la armonía y la sencillez  de los pueblos primitivos que inocentemente muestran su desnudez a los culpables ojos occidentales. Esta era su imagen de Tahiti, aunque no se correspondía con la realidad. Para Gauguin, los pueblos primitivos vivían de acuerdo con la Naturaleza a diferencia de los occidentales industrializados.

 

2.2. Elementos plásticos.

 

 Los colores planos y vivos aparecen delimitados por las líneas curvas del dibujo, de los vestidos, el cuerpo, los objetos. Los colores son vivo-rojo, amarillos, verdes...-pero también está el negro de la falda.

 

2.3. Formas: la representación tiende al esquematismo, como en el románico.

 

2.4. Estilo: postimpresionista. Recibe influencia del impresionismo en los colores. Fue amigo de Pizarro. Entre 1886-1890 formó parte del grupo de pintores de Pont-Aven (Bretaña) que proponía delimitar el color con el dibujo y representar conceptos además de colores. También recibe influencia de Van Gogh  con el que convivió dos meses en 1888, de Cezanne, Degás, del arte de las vidrieras del arte japonés.

 

  Su estilo es sintético, expresionista y simbolista. Su teoría se basa en la idea de que el hombre occidental está demasiado alienado por la industrialización para crear. Mucho más importante que el producto final es poder soñar frente a la naturaleza, el propio acto de creación. Rechaza el arte occidental que parte del renacimiento y la perspectiva tradicional. Influye en el fauvismo y en Munch.

 

3.-Interpretación

 

3.1. Contenido y significación:

 

  Paul Gauguin nació en París el 7 de junio de 1848- un año de revolución en Francia-  en una familia liberal de clase media; su madre era hija de la célebre socialista y feminista Flora Tristán. Después de una juventud aventurera, que incluye una estancia de cuatro años en Perú con su familia y un empleo en la marina mercante francesa, se convirtió en un agente de bolsa de París con éxito, llevando una confortable vida burguesa con su mujer, la danesa Mette-Sophie Gad, y sus cinco hijos. En 1874, después de conocer al pintor Camille Pissarro y ver la primera exposición de los impresionistas, se hizo coleccionista y pintor aficionado. Expuso con los impresionistas en 1876, 1880, 1881, 1882 y 1886. En 1882, debido a la quiebra de la Bolsa, decidió convertir su afición a la pintura en oficio. Un año después, su mujer e hijos se fueron a vivir con la familia de ella a Dinamarca. A comienzos de 1884 él se trasladó a Ruán, donde vivía Pissarro. Hombre en la carretera (Ruán) pintado entonces y que se encuentra en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid (España), es una muestra típica del estilo paisajista de Gauguin, aún dominado por la influencia del impresionismo. Entre 1886 y 1891 Gauguin vivió principalmente en la Bretaña (a excepción del viaje a Panamá y Martinica entre 1887 y 1888), donde era el centro de un pequeño grupo de pintores experimentales conocidos como la escuela de Pont-Aven. Bajo la influencia del pintor Émile Bernard, se alejó del impresionismo y adoptó un estilo menos naturalista, al que denominó sintetismo. Halló inspiración en el arte indígena, en los vitrales medievales y en los grabados japoneses; estos últimos los conoció a través de Vincent van Gogh en 1888, durante los dos meses que vivieron juntos en Arles, en el sur de Francia. Tras el altercado en el que Van Gogh intentó matarle, abandonó la ciudad. Su nuevo estilo, marcado por la absorción de influencias del arte primitivo bretón, se caracterizó por la utilización de amplias zonas planas de colores encendidos, como en el Cristo amarillo (1889, Galería Albright-Knox, Buffalo, Estado de Nueva York, Estados Unidos).

En 1891, arruinado y endeudado, se embarcó hacia Tahití escapando de la civilización europea, una sociedad "gobernada por el oro", y de todo lo que es artificial y convencional. A excepción de una visita a Francia entre 1893 y 1895, permaneció el resto de su vida en las Antillas, primero en Tahití y después en las islas Marquesas. Las características esenciales de su pintura experimentaron pocos cambios; mantuvo la expresividad cromática, el rechazo a la perspectiva y la utilización de formas amplias y planas. Sin embargo, influido por el ambiente tropical y la cultura polinesia, su obra fue cobrando fuerza expresiva a medida que el tema se fue haciendo más característico, la escala de sus cuadros mayor y sus composiciones más simples. Su temática abarcó desde escenas de la vida cotidiana, como Tahitianas o En la playa (1891, Museo de Orsay, París, Francia), hasta inquietantes escenas de supersticiosa aprensión, como El espíritu de los muertos observa (1892, Galería de Arte Albright-Knox). Su obra maestra es la inmensa alegoría, que es así su testamento pictórico, ¿De dónde venimos, qué somos, dónde vamos? (1897, Museo de Bellas Artes, Boston, Estados Unidos), pintado inmediatamente antes de su intento de suicidio. Una modesta pensión que le enviaba un marchante de arte de París le mantuvo hasta su muerte, el 9 de mayo de 1903, en el pueblo de Atuana, isla de Dominica (islas Marquesas).

3.2. Cliente: apenas vendió nada, como Van Gogh. El cuadro que estamos analizando fue comprado por William Church Osborn, quien lo cedió en 1949 al Metropolitan Museum of Art de Nueva York.

 

3.3. Función: quiere expresar la creatividad de los pueblos primitivos que los europeos habían perdido a causa de la alienación industrial. La función puede definirse por el intento de despertar al hombre occidental de este letargo.

 

VAN GOGH
 
COMEDORES DE PATATAS. VAN GOGH
 
1.- Información general
 
Titulo: Comedores de patatas, 1885
Autor: Vincent Van Gogh
Museo: Museo Nacional Van Gogh
Caracteristicas: Oleo sobre lienzo 82 x 114 cm.
Estilo: Neo-Impresionismo
 
2.-Interpretación

La obra cumbre del periodo de Nuenen es Comedores de patatas. Van Gogh presenta una pobre estancia, iluminada por una lámpara de petróleo, en donde los campesinos se sientan a la mesa dispuestos a cenar su ración de patatas. Una de las mujeres vierte el contenido de la tetera en unas tazas blancas. La luz mortecina, el oscuro colorido y la actitud de los personajes convierten la escena en una imagen casi mística, reflejando el estado de ánimo del propio Van Gogh y su contacto con los campesinos. La rapidez del trazo le impide centrarse en los detalles, olvidándose del dibujo para mostrar figuras caricaturescas que dan un toque de modernidad a una composición totalmente realista, similar a las que realizaban los artistas de la Escuela de La Haya. Las figuras de la mesa se sitúan de manera que el espectador se integra en la estancia y comparte la comida con los campesinos. La preocupación de Vincent por el mundo agrario y minero holandés está tocando a su fin. Su mente proyecta cada vez con mayor fuerza un traslado a París para completar su formación y depurar unas deficiencias que el artista siente enormes deseos de superar. Pero algo le ata a Nuenen y es la figura de su padre. Cuando éste fallezca, Vincent sentirá un aire de libertad en su espíritu y se marchará a Antwerp, para contemplar los retablos que Rubens realizara para la catedral, y más tarde a París.

Enlace a la mejor página web sobre Van Gogh: Aquí puedes encontrar también fragmentos de las cartas a Theo
 
 
CÉZANNE
 
VISTA A TRAVÉS DE LOS ÁRBOLES DE L´ESTAQUE. CÉZANNE

1.-Información general

Titulo: Vista a través de los árboles en L´Estaque, 1883-85
Autor: Paul Cézanne
Museo: Fitzwilliam Museum
Caracteristicas: Oleo sobre lienzo 71 x 57,7 cm.
Estilo: Neo-Impresionismo

2.-Interpretación:

Entre el mes de mayo de 1883 y la primavera de 1885 Cézanne pasará algunas temporadas en L´Estaque, pueblo cercano a Marsella donde se había refugiado para evitar participar en la Guerra Franco-Prusiana. El paisaje mediterráneo será un importante reto para el maestro de Aix ya que la luz del sur le presentaba los elementos de la naturaleza como extendidos sobre el mismo plano, tal y como escribió a su amigo Pissarro: "El sol es tan espantosamente fuerte que me parece que los objetos se alzaran como siluetas, no solamente en blanco y negro, sino también en azul, en rojo, en marrón, en violeta. Puede que me equivoque pero creo que éstos son las antípodas del modelado". Pero Cézanne no ceja en su empeño de recuperar las formas y los volúmenes a través del color y para ello no duda en utilizar fuertes contrastes cromáticos entre el azul, el naranja, el verde y el ocre para establecer la relación entre el color y el espacio. De esta manera, surgen con fuerza las superficies geométricas de los tejados o las copas de los árboles, ayudados por la pincelada empleada, al mezclar cortos toques de color dispuestos en diagonal con trazos más fluidos. La iluminación envolviendo el paisaje es habitual del impresionismo pero observamos que se trata de una luz muy arbitraria que apenas provoca sombras. La perspectiva tradicional se obtiene a través de una sucesión de planos en profundidad que convergen en la montaña del fondo como punto de fuga, utilizando árboles en ambos lados del lienzo para introducirnos en la escena, recurso muy habitual en el arte clásico.

ENLACES.
 
 
Henri Toulouse Lautrec
 
Aristide Bruant. Henri Toulouse Lautrec
 
1.-Información general
 
Titulo: Aristide Bruant, 1893
Autor: Toulouse Lautrec
Museo: Museo de Boston
Caracteristicas: Litografía 138´7 x 96´5 cm.
Estilo:
Neo-Impresionismo
2.-Interpretación
 
 Esta litografía que contemplamos es el primer estado, sin texto, impreso por Charles Verneau, del cartel que Aristide Bruant encargó a Toulouse-Lautrec para publicidad de la revista "Le Mirliton". La diferencia con la obra definitiva la encontramos en la supresión en un primer momento de las letras que aparecerán en la zona baja, situándose el personaje en una postura idéntica, ataviado con su amplio sombrero, capa, bufanda y bastón, resultando una de las figuras mejor identificadas de Montmartre.