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| El esclavo (Tumba de Julio II) Miguel Ángel |
I) RENACIMIENTO
Características
generales:
El Renacimiento es un
fenómeno prácticamente italiano. Sus características fundamentales son:
1) Aspectos
socio-culturales
-Humanismo: el hombre
es el centro de interés.
-Interés por el mundo
clásico greco-romano. Se lee en latín y griego a Aristóteles, a Platón, Ovidio
-Surgimiento histórico
de las elites que hablan latín para distinguirse del pueblo.
-Surgimiento de la crítica
artística.
-Discusión de los postulados
teológicos y los dogmas.
-Divulgación de los conocimientos
escritos a partir de la imprenta de Guttenberg.
-Introducción de la brújula
lo que permite la ampliación del mundo conocido y el abandono de la navegación de cabotaje.
-Ampliación del mundo
conocido a través de los descubrimientos geográficos.
2) Características
artísticas:
-Arquitectura: El gótico
conjugaba tiempo y espacio, exigía del espectador un desplazamiento para percibir impresiones sucesivas. El Renacimiento reintroduce
la visión unitaria clásica. Se prefieren las plantas centralizadas.
-Pintura: Se eliminan
las secuencias narrativas góticas; el tema es único, los espacios internos subrayan las líneas de perspectiva. Se introduce
la perspectiva central.
-Escultura: se vuelve
al naturalismo idealizado clásico.
3) El humanista:
Es un hombre culto, versado en la Antigüedad que lee en griego
y latín, discute sobre Platón o Aristóteles y conoce las más avanzadas teorías sobre Geografía y Cosmología, es un poeta y
un diletante
II) Características generales de la arquitectura:
S.XV. FLORENCIA.MECENAS: FAMILIA NOBLE DE LOS MEDICI
Artistas:
Filippo
Brunelleschi (muerto en 1446)
-Cúpula sobre tambor de la catedral de Santamaría
dei Fiori (Construcción dirigida un siglo antes por Giotto): 42 metros de diámetro, sobre tambor octogonal.-Iglesias de San Lorenzo y del Santo Espíritu de Florencia-Capilla
Pazzi: planta cuadrada, cúpula sobre pechinas; pórtico con arco que rompe el dintel.-Palacio Pitti: predominio de la horizontalidad, sillares almohadillados.
León
Bautista Alberti (muerto en 1472)
-Autor del Tratado De re aedificatoria-Obras: templos malatestianos en Rimini y en Mantua. Fachada concebida como
arco del triunfo; Palacio Rucellai en Florencia.
S.XVI.ROMA.MECENAS: EL PAPA JULIO II
Bramante (muerto el 1514)
Obras:
-San Pietro in Montorio en Roma: encargo de los Reyes
Católicos.
-Proyecto de la catedral de San Pedro..
Miguel
Ángel Buenarrotti
-Catedral de San Pedro, escalera de la Biblioteca
Laurenciana.
ENLACES
INGENIEROS Y ARQUITECTOS. PÁGINAS MUY INTERESANTES:
Cúpula de Florencia. Brunelleschi:
Leonardo ingeniero:
III) PÁGINA CON MUCHAS OBRAS Y AUTORES:
I) Siglo XV. Florencia
1)Pintura
Botticelli:
Masaccio:
Fra Filippo Lippi:
Perugino:
Leonardo da Vinci:
Miguel Angel
Rafael de Sanzio:
2) Arquitectura:
Filippo Brunelleschi:
Leon Battista Alberti:
3) Escultura:
Donatello:
Verrocchio:
Miguel Ángel :
II) Siglo XVI. Roma:
1) Pintura:
Miguel Ángel:
Leonardo da Vinci:
Rafael de Sanzio:
2) Arquitectura:
Miguel Ángel Buonarroti:
Bramanate:
3) Escultura:
Miguel Ángel:
Renacimiento español:
Morales:
Juan Navarrete:
Sanchez Coello:
Juan de Juanes:
Arquitectura:
Egas:
Juan Guas:
Juán y Simón de Colonia:
Pedro Machuca:
Diego Siloe:
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| Los desposorios de la Virgen. Rafael de Sanzio |
Los desposorios de la Virgen.
Rafael
1.-Información general:
2.-Interpretación:
En los Desposorios de la Virgen se ha querido ver el
manifiesto de los principios del arte renacentista italiano. Rafael recoge todos los avances desarrollados durante el Quattrocento para realizar una obra de perfección extraña. Lo que más suele destacarse
de la composición es la presencia del templo circular al fondo de la escena, por encima de los personajes. Posee todos los
rasgos clasicistas que se pretendían aplicar a la arquitectura renacentista: la planta central (ver los dos diseños para iglesias
de Leonardo da Vinci), arcos de medio punto, proporciones basadas en el cuerpo humano, accesibilidad
e iluminación natural... Este tipo de templo simboliza la perfección divina, que a su vez es la que representa la Virgen,
sin pecado, o el mismo sacramento del matrimonio, la unión de los contrarios para producir un ser perfecto. La explanada donde
se encuentran las figuras posee unas baldosas rectangulares que permiten representar la proyección del espacio en perspectiva
hacia un punto de fuga central, que se encuentra situado en la puerta abierta del templo que da al paisaje del fondo. Los
personajes están situados en un friso horizontal, simétricamente distribuidos a los lados del sacerdote, a un lado las mujeres
y al otro los hombres. Para romper algo la monotonía de esta distribución, Rafael ha pintado grupos de paseantes en toda la
explanada y las escalinatas del templo. La tabla fue encargada a Sanzio por la familia Albizzini para la iglesia de San Francisco
en Città di Castello, permaneciendo allí hasta 1798, cuando formó parte del botín napoleónico y fue vendida por 50.000 liras
a un mercader. La idea de la composición está inspirada en la Entrega de las llaves que Perugino pintó en las paredes de la Capilla Sixtina.
La Gioconda. Leonardo da Vinci
1.- Información general:
1.1. Titulo: Gioconda,
1503-6
1.2. Autor: Leonardo da Vinci (1452-1519)
1.3. Cronología: 1505
1.7.Tema: Retrato de una mujer florentina.
Es un retrato ideal y la serenidad y el equilibrio que muestra son símbolo del nuevo estilo.
2.-Análisis formal:
2.1.-Composición:
La Gioconda es un retrato. Su figura forma un triángulo en primer
plano , avanzado por el lado derecho del cuadro. Al fondo aparece un paisaje que muestra el aspecto fantástico e idealizado
del Renacimiento, puesto que el nivel del horizonte es diferente en el lado izquierdo respeto al derecho.
2.2. Elementos plásticos:
La representación de la figura y de las formas es naturalista
analítica pero idealizada. El misterior que produce la figura se debe a la utilización del sfumato (se usa grisalla para difuminar
contornos y después finas capas de óleo). Le interesa mucho más el conjunto que el detalle, a pesar del delicado dibujo de
las manos y de las arrugas del vestido. Pero sobre todo se concentra enel efecto de volumen, de tercera dimensión...
2.3.Estilo:
Renacentista del Cinquecento. Naturalismo analítico idealizado.
Esta obra es una síntesis de conocimientos artísticos y geométricos. Es la obra de un hombre con conocimiento universal.
3.-Interpretación:
3.1.Significado.
La Gioconda se ha convertido en un símbolo para
la cultura del mundo moderno y contemporáneo. En ella se citan todas las características de la pintura de Leonardo: el empleo
del sfumato, esa técnica que difumina suavemente los rasgos hasta hacer indefinibles los contornos; el hermoso paisaje del
fondo, agreste, salvaje y de un matizado tono azul que lo hace desaparecer en un degradado invisible; la ambigüedad del rostro,
la indefinición sexual que la hace parecer una mujer, un adolescente... un mito de androginia que tiene referencias inacabables
con teorías filosóficas y religiosas; y, por encima de todo, la sonrisa más melancólica y misteriosa de la historia del hombre.
Según Vasari el retrato es el de Madonna Lisa, la señora Lisa, la esposa de Francesco del Giocondo.Pero el cuadro simboliza
el ideal de belleza de Leonardo.
3.2. Cliente: Francesco de Giocondo, Aunque Leonardo retuvo consigo el retrato
hasta su muerte, no dejó de trabajar en él y, por supuesto, jamás se lo entregó a su cliente. De sus manos pasó a la colección
real de Francia y hoy puede verse en el Museo del Louvre.
3.3. Función:
LA FUNCIÓN EN ESTE CASO ES LA EXPRESIÓN DE LA
BELLEZA Y DE LOS IDEALES RENACENTISTAS, en estos hombres que recibían el apoyo de los mecenas para realizar sus obras. Leonardo
da Vinci representa el espíritu del humanismo renacentista, destacando
como artista, inventor y descubridor. ES EL PRIMER HOMBRE MODERNO en este sentido.
Nació en 1452 en Vinci, siendo hijo ilegítimo
de un notario florentino. Se crió en Florencia y aprendió en el taller de Verrocchio; con seguridad, Leonardo está en el taller
de Verrocchio en 1476, como confirma una denuncia en la que se le acusaba de homosexualidad. Con 20 años ya es maestro independiente,
interesándose mucho por descubrir nuevas técnicas para trabajar al óleo. Sin embargo, continuó ligado al taller de Verrocchio
hasta prácticamente su marcha de Florencia. Su reputación crecía y los encargos aumentaban. En 1482 se traslada a Milán, ofreciendo
sus servicios a Ludovico Sforza, Duque de Milán; había marchado a Milán como embajador de Florencia, dentro del plan de los
Medici de difusión del arte florentino como motivo de prestigio e instrumento de propaganda cultural. En Milán estuvo durante
17 años, trabajando en variados proyectos de todo tipo, tanto artísticos como científicos, en los que el deseo de experimentar
era su principal objetivo.
Dejo muchas obras inacabadas, y sus experimentos en los pigmentos hace que
algunas obras lleguen a nuestros días en mal estado ("La última cena").
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| Nacimiento de Venus. Botticelli |
Interpretación
Este «nacimiento de Venus» es una obra del siglo XV italiano. Fue
pintada por Botticelli a un miembro de la familia Médici, para decorar uno de sus palacios de ocio en el campo. El momento
que presenta el artista es la llegada de la diosa, tras su nacimiento, a la isla de Citera, empujada por el viento como describe
Homero, quien sirvió de fuente literaria para la obra de Botticelli. Venus aparece en el centro de la composición sobre una
enorme concha; sus largos cabellos rubios cubren sus partes íntimas mientras que con su brazo derecho trata de taparse el
pecho, repitiendo una postura típica en las estatuas romanas de las Venus Púdicas.
La figura blanquecina se acompaña de Céfiro, el dios del viento, junto a Aura, la diosa de la brisa, enlazados ambos personajes
en un estrecho abrazo. En la zona terrestre encontramos a una de las Horas, las diosas de las estaciones, en concreto de la
primavera, ya que lleva su manto decorado con motivos florales. La Hora espera a la diosa para arroparla con un manto también
floreado; las rosas caen junto a Venus ya que la tradición dice que surgieron con ella.
La leyenda cuenta que Gea (la madre tierra), harta de padecer los sufrimientos que le provocaba el encierro de sus hijos,
decidió aliarse con el más joven y fuerte de los Titanes, su hijo Crono, al que le hizo entrega de una hoz de oro para que
la utilizara contra su padre en una emboscada que, juntos, habían planeado. Así lo hizo el osado Cronos, quien tomando la
hoz con la mano derecha castró a Urano. Luego, con la mano izquierda arrojó los genitales al mar, lanzándolos hacia atrás
por encima del hombro, con ese gesto característico que aún seguimos reconociendo en la costumbre de tirar algunos cosas para
alejar la mala suerte. Los órganos genitales, al caer al mar, engendraron a la diosa Afrodita (la Venus romana), nombre que
en griego significaba precisamente «la nacida de la espuma del mar».
Aun así existe otra leyenda menos difundida que otorga el nacimiento de la diosa del amor y de la fertilidad a una relación
amorosa entre el dios Zeus y la oceánide Dione.
LA PIEDAD. Miguel Ángel
1.-Información general:
1.1. Título
1.2. Autor: Miguel Ángel Buenarroti (1475-1564)
1.3. Cronología: 1498-1499
1.4. Técnica: talle
1.5. Material : mármol1,74 m. de alto por 1,95 de largo.
1.6. Tipología: grupo.
1.7. Localización: Basílica de San Pedro de Roma.
1.8. Tema: La Piedad. María recibe en sus brazos el cuerpo muerto
de su hijo.
2.1. Cliente: El 27 de agosto de 1498 (tenía 23 años)
se suscribió un contrato entre el representante de Miguel Angel Jacobo Galli- y el cardenal Ionnes de San Dionisio por la
Iglesia.
Se pactó forma de pago y tiempo de ejecución, pero lo
original del convenio consiste en que Galli prometió a Miguel Angel que la Iglesia abonaría el precio (Galli no representaba
a la Iglesia) y, a su vez, el mismo Galli prometió a título propio- que "LA PIEDAD" sería la mejor obra jamás realizada. Una
promesa de valoración (subjetiva) que iba más allá del texto del contrato.
"LA PIEDAD" se encuentra en la primera capilla de la
nave derecha de San Pedro y es la única obra de Miguel Angel que lleva su firma. Por supuesto, ningún artista pudo superarla.
V) EL RENACIMIENTO ESPAÑOL
La pervivencia de formas de poder, propiedad (feudal) y mentalidad medievales durante
los siglos XV y XVI en España, explican las características del Renacimiento español, combinación de tres elementos:
-gótico florido
-mudéjar
-influencia italiana
La combinación de estos tres da lugar al denominado estilo plateresco, que presenta una decoración de escudos,
medallones, grutescos (figuras fantásticas entrelazadas con tallos y hojas), amorcillos, yugos y flechas, etc...La F de Fernando
y la I de Isabel (A veces recibe el nombre de estilo de los Reyes Católicos), columnas abalaustradas, etc...
Escuela de Toledo:
EGAS: Hospital
de la Santa Cruz
GUAS
Escuela de Burgos:
Juan y Simón
de Colonia: Palacio del Infantado de Guadalajara; fachadas de San Pablo y San Gregorio.
También se incluye en el plateresco el estilo denominado Cisneros de Toledo con influencia mudéjar:
-Paraninfo de
la Universidad de Alcalá
-Puerta de la
pellejería de la catedral de Burgos de Francisco Colonia
-Escalera dorada
de Diego de Siloe en la catedral de Burgos.
Clasicismo:
Pedro Machuca:
Palacio de Carlos V en Granada
Gil de Siloe:
catedral de Granada (1528) con cúpula en el ábside.
ESCULTURA
Influencia de
Quattrocento italiano: sepulcro de los Reyes Católicos del italiano Fancelli en la catedral de Granada.
Pietro Torrigiano:
Retablo de la Virgen del Pilar de Zaragoza.
Diego de Siloe:
capilla del Condestable de la catedral de Burgos; Sepulcro del cardenal Fonseca en Salamanca.
Escuela de Valladolid:
Alonso Berruguete
(1488/1561): tensión barroca. Sillería del coro de la catedral de Toledo.
Juan de Juni
(francés:1507-1577): Santo Entierro de Segovia. Avanza el barroco.
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